È all’incirca dalla fine degli anni Settanta che Serafino Botticelli sceglie quasi univocamente di realizzare opere all’interno delle quali compare un essere umano inserito in un contesto spazio-temporale “altro”. Da quel momento il suo lavoro sembra non distaccarsi mai da questo tema, da una ricerca costante e ossessiva che lo porta ad esplorare le diverse minime possibilità, ad affrontare concettualmente l’argomento del limite, dell’ostacolo percettivo, della compresenza di dimensioni che si avvertono come contigue a quello della normale routine della vita.

Il suo non è specificatamente un discorso sul futuro, quanto un percorso che riguarda una personale definizione di alterità. Un essere umano maschio, leggermente stilizzato, e una linea curva rappresentano le costanti presenti in quasi tutte le sue opere. La figura ritrae un se stesso astratto, osservatore di nuovi orizzonti, spaesato e spaesante, estraniato, alieno. La linea curva definisce di volta in volta l’orizzonte di una variabile spazio temporale, una via che permette di percorrere il tempo, di abitarlo seguendo un concetto di ubiquità appartenente a questo stesso e non più alla dimensione spaziale. La postazione fisica, infatti, è fissa, così come lo spazio che diventa condizione dell’essere, percezione mentale, luogo dell’immobilità, posizione neutrale, sede di tutti i possibili inizi e di tutte le possibili fini. Nelle predominanti dei colori bianco e azzurro l’atmosfera che viene rappresentata è fortemente legata al concetto di acqua, partendo dallo stato gassoso a quello solido di ghiaccio, fino ad arrivare a formazioni cristallizzate, a piramidi di gelo, ad una serie di architetture naturali, di prismi che imprigionano, o preservano, lo stesso essere umano. L’elemento acqua, dal quale dovrebbe nascere la vita e quindi il divenire, le specie animali e vegetali, viene dunque presentato anch’esso nella sua fissità, in uno stato primitivo o ultimativo, in potenza e non in atto. Un senso di infinito e la percezione emotiva di una grande attesa costruiscono l’involucro di un essere umano dedito alla riflessione sul proprio possibile destino e sull’eventualità di poter incrociare a livello mentale o sensoriale un suo simile, un’altra qualsiasi creatura che, come lui, sia stata capace di oltrepassare le barriere spazio-temporali, prigione e impedimento della Conoscenza. Ma anche quando vagamente si potrebbe percepire un’altra presenza, proviamo la sensazione che si tratti sempre del medsimo essere umano, che pur nella sua immobilità, tenta di avvicinrsi seguendo una strada parallela, una via che non porterà ad alcuna possibilità di coincidenza, di convergenza, di incontro.

Essere irreversibilmente soli e fissi, poggiando i propri piedi sopra distese di ghiacci, permette però di fissare il proprio sguardo e la propria mente verso una grande sorgente di luce, un astro freddo e luminoso che spunta all’orizzonte come un grande sole. È questo senso di stato nascente, che permea la totalità dell’opera di Serafino Botticelli, che apre allo spettatore un ventaglio di possibilità interpretative, una serie di provocazioni che lo spingono a pensare alla propria esistenza da un altro punto di vista. Quello che viene suggerito, infatti, è un punto di osservazione multiplo, complesso, risultato della sintesi del dentro e del fuori. Lo spazio mentale viene rappresentato come un ambiente esterno, come mondo visibile. Lo spazio esterno, invece, diventa la condizione dell’essere umano vista al di fuori del pianeta Terra, delle convenzioni spazio-temporali, esternamente alla storia. Il Nulla e l’Assoluto man mano coincidono, si sovrappongono, fanno pensare ad una possibile teogonia e a tanti probabili mondi come rifrazioni di uno stesso nucleo evolutivo. All’interno di questo semplice, ma coraggioso discorso riguardante i massimi sistemi, si possono rintracciare disparate suggestioni culturali e scientifiche, pensieri e dubbi che hanno attraversato la storia dell’umanità, piccoli spiragli aperti verso un abisso di supposizioni. Eppure l’artista marchigiano percorre questo sentiero investigativo partendo da un proprio interrogativo, dal quel disagio universalmente avvertito dalla mente umana nei confronti di un dentro e di un fuori, di un prima e di un dopo, di una possibile definizione di immobilità e movimento all’interno di un sistema caratterizzato dal moto perpetuo e dalla forza gravitazionale.

Egli percorre e indaga l’alterità partendo dalla percezione della propria interiorità. I suoi dipinti ad olio necessitano di lunghissimi tempi di realizzazione, passaggi successivi di minime variazioni di bianco, di minime rifrazioni di luce, sopra tele per lo più molto grandi che, alla fine, risultano estremamente smaterializzate, ricche di trasparenze e indizi ipnotici, di bagliori improvvisi che contengono simboli infinitesimali, dipinti attraverso la lente d’ingrandimento e difficilmente percepibili ad occhio nudo.

In tutto questo l’artista si inserisce anche nella grande tradizione della pittura marchigiana caratterrizzata da una costante tensione metafisica e da un inquietudine intellettuale che, in altri tempi e seguendo altre modalità, hanno costituito un aspetto evidente nell’opera di Donato Bramante, Raffaello Sanzio, Vincenzo Pagani, Fortunato Duranti, Adolfo De Carolis, e molti altri fino ad arrivare a Scipione, Gino De Dominicis, Enzo Cucchi e al grande fotografo Mario Giacomelli.